I 20 migliori film del 2018

I 20 migliori film del 2018

Nel 2018, il cinema sembra uno spazio più prezioso che mai. Quanti altri posti abbiamo al mondo in cui andiamo a sederci, al buio, con la nostra attenzione completamente paralizzata su una cosa per almeno un'ora? In effetti, quanti spazi abbiamo dove esiste un contratto sociale in cui tutti mettiamo via i nostri telefoni? In quanto santuario dell'evasione da flussi di notizie senza fine, il cinema è il luogo in cui ci siamo rifugiati quest'anno. E grazie a Dio l'abbiamo fatto, perché è stato un anno fantastico per il cinema.

Dopo un'attenta considerazione e un acceso dibattito, ecco i 20 film preferiti di Dazed del 2018: dai documentari artistici e sfumati che hanno ampliato i nostri orizzonti, ai film di successo con nuovi programmi, alla commedia romantica di Netflix che abbiamo visto un milione di volte. (Tieni presente che questi sono tutti film che sono stati presentati in anteprima nel 2018 - alcuni potrebbero non aver ancora avuto la loro uscita nel Regno Unito, mentre altri che fatto hanno la loro uscita nelle sale quest'anno presente nella nostra lista 2017 .)

venti. KUSAMA - INFINITO (HEATHER LENZ)

La salute mentale non è mai stata discussa così ampiamente nella cultura come lo è ora. Rafforzare questo è Kusama - Infinito, il documentario sulla vita di Yayoi Kusama. Il film coraggioso la metteva a nudo lotta per tutta la vita con la salute mentale , e come ha sempre usato l'arte come un modo per alleviare il suo dolore.

Amo questo film perché dissipa il romanticismo dell'artista torturato. Nel Infinito , facciamo un viaggio con Kusama negli 89 anni in cui è stata alle prese con allucinazioni. Il film mostra il ruolo che l'arte gioca nella psiche umana e il fatto che c'è sempre un modo per cercare aiuto. È elettrizzante, non solo per il modo in cui mette in luce in modo così intricato le difficoltà ampiamente sconosciute di Kusama, ma anche per quanto ti porta nel suo mondo di donna estranea dell'artista del colore in un campo dominato dagli uomini bianchi. La regista Heather Lenz raffigura Gli 'anni perduti' di Kusama ampiamente sconosciuti con tenerezza, permettendo gentilmente a Kusama di riconoscere e riflettere sui suoi tentativi di suicidio e sulla sua successiva rinascita dalle ceneri. Se distruggere lo stigma intorno alla salute mentale è la battaglia della nostra generazione, allora Infinito è uno dei nostri più grandi guerrieri culturali. ( Lexi Manatakis)

19. PANTERA NERA (RYAN COOGLER)

Ogni tanto arriva un lavoro che attinge a uno stato d'animo sociale e diventa un movimento. Raffigurante una visione futuristica di un'Africa immaginaria che non è mai stata colonizzata, Pantera nera ha fatto proprio questo a gennaio, come Wakanda e il suo saluto è diventato un simbolo di solidarietà per la diaspora in tutto il mondo.

Nessuno avrebbe potuto prevedere che la Disney avrebbe potuto convocare i fantastici ragazzi pan-africani di Londra e unirli su una rappresentazione fittizia della madrepatria, ma lo fece. Alla sua prima a Londra, Pantera nera spinto le persone di colore a vestirsi con abiti culturali; c'erano nigeriani giallo (copricapo), panno kente ghanese e alcuni che si sono truccati per sembrare reali africani a la Arrivando in America . In un momento in cui sembrava che le uniche immagini di persone di colore fossero quelle di dolore, protesta, povertà, come cattivi o vittime, Pantera nera era evasivo in modo rassicurante. Un punto forte è stata la risata rauca che è esplosa dai neri dopo la battuta di Letitia Wright, Non spaventarmi in quel modo, colonizzatore. Perché, sai, l'imperialismo ha incasinato l'Africa. Sì, Pantera nera era un film di supereroi Marvel. Ma l'importanza di tutto ciò sta in chi arriva a considerarsi eroico, piuttosto che essere il perdente. ( Kemi Alemoru)

18. VEDOVE (STEVE MCQUEEN)

Un thriller di rapina elegante e sofisticato per i secoli, quello di Steve McQueen Vedove esalta il genere in un nuovo territorio ispirato. Basato sull'omonima miniserie dei primi anni '90, il film dirige il suo sguardo incrollabile su quattro donne che hanno perso i mariti a causa dello stesso fallimento e che devono pagare i debiti insoluti a un temibile creditore. Veronica (Viola Davis) riunisce questo gruppo di donne disordinate per radunarsi per completare un'ultima rapina, scoperta tramata alla perfezione nei diari lasciati dal marito morto, Harry (Liam Neeson).

Quella che segue è un'avventura galvanizzante nel ventre del crimine dei colletti bianchi con quattro dilettanti ciascuno alimentato dalle proprie circostanze individuali e ciascuno con nulla da perdere. La sceneggiatura di Gillian Flynn - la sua migliore da allora Ragazza andata - intreccia nettamente temi socioeconomici nella narrazione, dando un peso alla storia che fornisce ulteriore rilevanza, insieme all'ambientazione rivista del lato sud di Chicago. È un vero batticuore, con colpi di scena che riescono davvero a scioccare, così come un pezzo di cinema seducente e artistico. McQueen continua la sua corsa come uno dei più grandi registi contemporanei che lavorano nel cinema oggi. (Patrik Sandberg)

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17. MCQUEEN (IAN BONHÔTE, PETER ETTEDGUI)

Se, come me, non avevi un posto in prima fila (o seconda o terza) fila per nessuno dei posti di Alexander McQueen spesso viscerali, a volte scomodi, ma mai, mai sfilate noiose, il massimo che avrai visto di loro è probabilmente attraverso YouTube visto su piccolo schermo - non nel modo in cui dovrebbero essere mai viste, ovviamente, ma ovviamente devono. Quest'anno, però, Mcqueen cambiato tutto questo. Il film sensibile e splendidamente realizzato di Peter Ettedgui e Ian Bonhôte non solo ci ha permesso di dare uno sguardo alla vita di uno dei più grandi (e più 'veri' designer) della moda, ma ci sono volute anche alcune delle sue collezioni più vivide e innovative, tra cui Highland Rape , Dish's Atlantis , e Voss - e li ha fatti esplodere fino a proporzioni mai viste prima, che, se combinate con filmati d'archivio e sinceri e resoconti personali di coloro che lo conoscevano e amavano, si traduce in un'esperienza visiva davvero emotiva, a volte travolgente che evidenzia esattamente il motivo per cui è così mancato. Tieni pronti i fazzoletti. ( Emma Davidson)

16. GUERRA FREDDA (PAWEŁ PAWLIKOWSKI)

Paweł Pawlikowski Guerra fredda è allo stesso tempo una dura dichiarazione estetica, un amorevole tributo familiare e una storia d'amore straziante che colpisce con un impatto raro. Ispirato dall'esperienza dei genitori del regista, il film insegue due amanti sfortunati attraverso l'Europa del dopoguerra - Polonia rurale, Berlino Est, Parigi bohémien, Jugoslavia - mentre si separano e si ricompongono, lottando per creare vite per se stessi come musicisti che lavorano.

Il direttore della fotografia Lukas Zal crea composizioni mozzafiato dalle rovine architettoniche polacche ai jazz club di Parigi. Il telaio 4x3 in bianco e nero conferisce un senso stilizzato di isolamento alla fluidità in evoluzione di un romanticismo che minaccia di volare fuori dai binari in qualsiasi momento. Tomasz Kot conferisce un senso di gravità forte e silenziosa al ruolo di Wiktor, e Joanna Kulig interpreta Zula, che porta le canzoni popolari polacche nel regno della musica pop mentre inizia la sua carriera discografica e trova la liberazione nel fumosi club di Parigi - una scena della sua danza al ritmo di 'Rock Around The Clock' di Bill Haley è destinata all'immortalità della celluloide. In un anno pieno di cinema eccitante, niente tocca il glamour e il romanticismo di questo. (Patrik Sandberg)

quindici. SHAKEDOWN (LEILAH WEINRAUB)

Benvenuto a Shakedown. Uno strip club per lesbiche nere all'inizio degli anni 2000 a Los Angeles, la cui serata è l'argomento Il nebuloso inno vhs-thetic di Leilah Weinraub a una sottocultura mai discussa quella era un'ancora di salvezza vitale per le donne queer di colore in città. Weinraub ha lavorato lì come 'video lady', anni prima della sua successiva carriera come CEO e co-fondatrice di Hood by Air. Nel documentario, raccoglie i filmati lo-fi che ha girato all'epoca e racconta le storie delle donne che si esibivano lì, forze della vita come l'Egitto e Jazmine, e il fondatore della serata, Ronnie-Ron. Nel frattempo, la polizia e altre forze meno specifiche della gentrificazione aleggiano: mentre guardi, la colonna sonora minacciosa e la progressione simile a un capitolo ti fanno sapere che questo non è un momento che durerà per sempre.

Shakedown mi ha sconvolto al festival Berlinale di febbraio, soprattutto nel contesto di altri film proiettati lì. Al contrario, ti colpisce ancora di più il modo in cui gli schermi dei film riproducono così spesso gli stessi soggetti più e più volte. Il più grande trionfo di Weinraub? Fare spazio alle sue superstar nere e queer nelle gallerie d'arte contemporanea e nei teatri di tutto il mondo. (Claire Marie Healy)

14. fiato corto (LUCA GUADAGNINO)

affanno è il nuovo vestito blu / oro - nessuno online può essere d'accordo. Il che non è una sorpresa, davvero. Apparentemente un remake del giallo del 1977 di Dario Argento, di Luca Guadagnino affanno è, ironia della sorte, uno dei film horror più originali dell'anno. È un agghiacciante piatto combinato di balli stregati, politica della Guerra Fredda e intrighi psicosessuali. Non c'è alcun tentativo di essere un pubblico mainstream: la tavolozza dei colori muti si sta deliberatamente esaurendo, la colonna sonora di Thom Yorke è all'estremità opposta di Creep e, dove ti aspetti un set d'azione, si intrufola in una lezione di storia.

Tuttavia, guardi ancora il nuovo affanno attraverso il prisma del film di Argento, e finiscono per lasciare il cinema colpito come si discosta dal materiale di origine . In tal senso, affanno è come il jazz per due ragioni: si tratta delle note di Guadagnino non lo fa giocare, e chiunque si affretti a respingerlo è chiaramente sbagliato. È un lavoro d'amore, in cui ogni dettaglio della produzione è degno di un'analisi eccessiva (anche il carattere del titolo è stato progettato dal ragazzo responsabile del Guerre stellari pergamena di apertura), e merita uno status di culto simile a quello concesso all'originale di Argento - e, del resto, a Chiamami col tuo nome . (Nick Chen)

13 . MADELINE'S MADELINE (JOSEPHINE DECKER)

Helena Howard come una gatta, che fa le fusa, lecca e sibila, deve essere l'espressione più memorabile dell'angoscia adolescenziale - per non parlare della scena di apertura - del cinema del 2018. A soli 18 anni al momento delle riprese, il nuovo arrivato (e Dazed cover star) Howard è il centro irresistibile del racconto della regista Josephine Decker della travagliata adolescente prodigio della recitazione, Madeline. C'è anche la madre sofferente di Madeline, interpretata da Miranda July, e il regista teatrale sperimentale le cui intenzioni per Madeline sembrano, nella migliore delle ipotesi, aiutarla a risolvere catarticamente i suoi problemi sul palco e, nel peggiore dei casi, a sfruttare la cattiva salute mentale dell'adolescente per a proprio vantaggio (Molly Parker).

Madeline's Madeline ha avuto una nascita molto strana - un film sul teatro sperimentale che a sua volta è nato da una serie di laboratori teatrali esplorativi - e per molto tempo è mancato di trama o di sceneggiatura. La stessa Howard è stata la forza trainante del progetto - come ha rivelato nella sua storia di copertina dell'autunno 2018, inizialmente sarebbe stata la storia della mia vita. Se tutto ciò suona eccessivamente complesso, non lo è: Decker è riuscito a realizzare un film assurdo su persone pretenziose, con mezzi forse pretenziosi, e il risultato è l'espressione più rispettosa, galvanizzante e ardentemente onesta delle ansie della giovane generazione sullo schermo. che ho visto da molto tempo. (Claire Marie Healy)

12. MATANGI / MAYA / M.I.A. (STEPHEN LOVERIDGE)

Il documentario di Steven Loveridge sulla star britannico-tamil si divide nettamente in due metà. Nel primo, un M.I.A. cerca di dare un senso alla sua identità culturale ibrida durante un viaggio nella sua terra natale, lo Sri Lanka, catturata dalla telecamera dalla musicista ai suoi tempi come aspirante cineasta. Nel secondo, rivisitiamo i punti critici furiosamente dibattuti: Truffle-gate! Madonna-gate! Nato libero! - che ha visto la sua carriera impantanarsi in polemiche.

Entrambe queste metà pongono domande tempestive e approfondite su razza, classe e privilegio in un settore che attualmente sta facendo molta ricerca interiore su tutto quanto sopra, e se MATANGI / MAYA / M.I.A. Di conseguenza, a volte manca il pugno viscerale della musica antica di M.I.A., ne vale la pena per un film che parla onestamente di un cantante i cui talenti sono stati spesso intenzionalmente fraintesi. Nel mostrare le disordinate realtà umane al centro del suo lavoro, MATANGI / MAYA / M.I.A. è un record importante e tempestivo di uno dei le più grandi pop star che questo paese abbia prodotto . (Alex Denney)

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undici. LA PIAZZA (RUBEN ӦSTLUND)

Ruben Östlund si occupa esclusivamente dello straziante. 2014 Forza maggiore è un dramma straziante ed esilarante su una famiglia nucleare che cade a pezzi sulla scia della risposta codarda di un padre a una valanga, e il suo ultimo film La piazza gioca in un terreno altrettanto banale ma fertile: il mondo dell'arte.

Interpretato da Claes Bang nei panni del curatore ossessionato da se stesso, assolutamente pieno di merda, La piazza è un mordace assassinio dell'esclusività, della pretesa e dei cliché che contagiano le gallerie d'arte. Presenta - senza dubbio - la scena dell'anno, quando Terry Notary (istruttore di movimento su Pianeta delle scimmie ) terrorizza una folla benestante all'inaugurazione di una mostra con un'opera d'arte performativa che vira troppo lontano nella realtà perché gli ospiti lo possano prendere.

C'è una deliziosa ironia nel capolavoro di Östlund che ha vinto la Palma d'Oro, ed è un risultato che sperava. La sequenza con Terry Notary è stata realizzata con l'obiettivo di avere la nostra prima a Cannes, ha detto a Dazed . Tutti a Cannes erano vestiti come le persone sullo schermo, ricorda Bang. Potevi davvero sentire il disagio nella stanza. (Thomas Gorton)

10. LA DISEDUCAZIONE DI CAMERON POST (DESIREE AKHAVAN)

Basato sull'omonimo romanzo di Emily Danforth, vincitore del Sundance di Desiree Akhavan La cattiva educazione di Cameron Post è un ritratto di formazione realizzato con perizia è significativo, commovente, divertente e tragico allo stesso tempo. Costretta dal suo tutore a iscriversi al campo di conversione Promessa di Dio - un luogo che ora non può lasciare senza l'approvazione dei leader spirituali del centro - Cameron (interpretata da Chloë Grace Moretz) è iscritta a un programma implacabile di compiti umili, preghiere, 'blessercize 'lezioni di aerobica e serate karaoke. Non è molto dissimile da un tipico campo estivo degli Stati Uniti - solo questo campo ha sessioni di terapia di gruppo obbligatorie, consulenza spirituale individuale e `` iceberg '' subconsci su cui i residenti devono annotare tutti i traumi che hanno portato al loro stesso- perversione sessuale ”.

È un film innegabilmente queer, ma Miseducation ha anche un ampio fascino: nel contesto della terapia di conversione gay, si tratta davvero di qualcosa sentito universalmente dagli adolescenti che sono all'apice dell'età adulta. Qualcosa in se stessi non va bene, qualcosa è rotto, qualcosa ha bisogno correggere o migliorare in qualche modo. Quella missione, raccontare una storia autentica sull'adolescenza, pensieroso e con il cuore, è ciò che fa La cattiva educazione di Cameron Post uno dei film queer più avvincenti dell'anno. (Thomas Adam Curry)

9. BRUCIANDO (LEE CHANG-DONG)

Un dramma esistenziale, una commedia nera, un omicidio-mistero, un triangolo amoroso condannato, un arthouse Ragazza andata . Questi sono solo alcuni modi per descrivere Lee Chang-dong Il thriller magistrale e avvincente, Burning . Il film è difficile da definire, così come la sua trama minima: per le sezioni lunghe, lo sei afferrato , anche se è difficile dire se sta succedendo qualcosa. Aggiungere benzina al fuoco è l'universalità della storia: giovani furiosi per un mondo ingiusto, disoccupazione in aumento, salari bassi e assenza di una soluzione ovvia e tangibile.

Al centro c'è Yong-su, uno scrittore frustrato e disoccupato che si lamenta: Ci sono troppi Gatsby in Corea. Quindi anche se Burning è ufficialmente un adattamento di Haruki Murakami, è un riff di F. Scott Fitzgerald. Se Yong-su è Nick, il suo Gatsby è Ben ( Steven Yeun ), un milionario sbadigliante e possibile piromane; e Haemi è Daisy, un'engima quasi senza amici la cui voce è piena di depressione. Ma la sequenza di danza centrale è una pura invenzione da parte di Lee Chang-dong: Haemi fuma erba, perde tutte le inibizioni sociali e si spoglia all'aperto, la sua silhouette ondeggia durante l'ora magica. Invidi la sua libertà, finché non si ferma e scoppia in lacrime. (Nick Chen)

8. A TUTTI I RAGAZZI CHE HO AMATO PRIMA (SUSAN JOHNSON)

Quest'anno sono stato abbastanza chiaro Sono innamorato di questo film . Insieme a Pazzi e ricchi asiatici - il primo film di Hollywood con cast tutto asiatico in 25 anni - L'adattamento di Netflix del romanzo per giovani adulti più venduto di Jenny Han A tutti i ragazzi che ho amato prima era il balsamo lenitivo del 2018 per il mal di testa del 2017 polemiche imbiancate . E, mentre mi sono davvero divertito Pazzi e ricchi asiatici in tutta la sua gloria miliardario-fidanzato-fantasia-moda di successo, il potere di vedere l'attrice asiatico-americana Lana Condor nei panni di Lara Jean Song Covey, che navigava tra alti e bassi del romanticismo del liceo, risuonava su un altro livello (più riconoscibile).

Colpendo tutti i battiti familiari di una commedia romantica per adolescenti, A tutti i ragazzi ... alla fine ha dato a me - ea tutte le altre ragazze asiatiche con trattino - la soddisfazione di vederci non più come il personaggio laterale stereotipo razzista , ma come la Molly Ringwald di un film alla John Hughes. Infine, siamo degni dello stesso tipo di svenimento, amore adolescenziale che si gioca nei baci sui campi di calcio con ragazzi famosi, buffonate scolastiche incontrollate, note segrete passate in classe e mani nelle tasche posteriori che le ragazze bianche tutte americane hanno apprezzato. nei film per decenni. A tutti i ragazzi ... è la commedia romantica per adolescenti che ho desiderato per la mia adolescenza, ed è meglio che mai.

Almeno nel 2018, il film ha i vantaggi aggiunti di un grande, Colonna sonora inclusa di Blood Orange e le reazioni sui social media che dimostrano che ogni dirigente di Hollywood (inclusa l'autore Jenny Han ha dovuto lottare per mantenere la canonica eredità asiatico-americana di Lara Jean) dovrebbe mettere da parte qualsiasi scrupolo che abbia mai avuto nel scegliere un'asiatica come protagonista romantica. Da Twitter memi per Costumi di Halloween , l'amore per A tutti i ragazzi ... (e più commedie romantiche rappresentative in generale) è chiaro. Da parte loro, sembra che i poteri stiano ascoltando per una volta, con un seguito confermato essere nei lavori. Fino ad allora, farai meglio a credere che rivedrò questo film ogni volta che avrò bisogno di un sano giorno di luna tirami su. (Vanessa Hsieh)

7. BLACKKKLANSMAN (SPIKE LEE)

Senza sapere altro della trama, quando il trailer di BlacKkKlansman caduto e ha dimostrato che un uomo di colore si infiltra nel KKK con l'aiuto di un alleato ebreo, sono stato venduto. Soprattutto una volta che è stato rivelato che era (vagamente) basato su una vera operazione di polizia avvenuta a Colorado Springs negli anni '70.

Con una sceneggiatura di Esci Jordan Peele e Spike Lee al timone come regista, BlacKkKlansman è un film tanto politico quanto isterico. C'erano alcune comprensibili riserve sulla sua trama: in questo clima politico attuale, il film poteva permettersi di assegnare la narrazione dell'eroe a un paio di poliziotti e un dipartimento di polizia per lo più bianco? Non avrebbe dovuto scavare più a fondo nello spiacevole rapporto stretto che i dipartimenti di polizia avevano con i nazionalisti bianchi? Tuttavia, si adatta perfettamente alla classe dei film del 2018 che sono una visione irriverente dei problemi sociali di oggi. Alla sua fine straziante, però, c'è poco spazio per dubitare che questo sia un film che mira ad affrontare seriamente la minaccia della supremazia bianca. (Kemi Alemoru)

6. OTTAVO GRADO (BO BURNHAM)

Anche qualcuno la cui capacità di attenzione è stata ridotta dai social media troverà Ottavo grado avvincente dall'inizio alla fine . Il film empatico di formazione inizia con Kayla, una vlogger di 13 anni, che offre consigli di vita ai suoi abbonati YouTube. Lei suggerisce che tutto funzionerà se sei solo te stesso, e poi si chiude con il suo slogan: Gucci! Ma IRL, Kayla non ha amici, spettatori e - cosa più sconvolgente di tutte - non ha fiducia in se stessa. In un genere popolato di sitcom e adolescenti saggi, ecco un film che in realtà ottiene, tra le tante cose, le ansie quotidiane dell'adolescenza.

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Questo non vuol dire Ottavo grado non è divertente. Lo è, e spesso. È scritto e diretto da Bo Burnham , un comico che, a differenza di Kayla, è diventato una sensazione virale a 16 anni. Il suo futuro, però, è chiaramente nel cinema. Non c'è trama, di per sé, eppure ogni interazione sociale sembra uno scenario di vita o di morte. Non sto scherzando: la scena in cui Kayla partecipa a una popolare festa in piscina per bambini è più emozionante del culmine di Ereditario . Ti rabbrividirai estremamente duramente nei momenti in cui è possibile relazionarti, e poi troverai la catarsi nel vederlo accadere a qualcun altro. Gucci! (Nick Chen)

5. L'odio che dai (GEORGE TILLMAN JR.)

C'è stato un tema ricorrente nel cinema quest'anno del potere contenuto nelle voci. Mi dispiace disturbarla e BlackKklansman entrambi hanno esplorato il fenomeno della voce bianca. Ma ciò che rende The Hate U Give distinguersi dal resto è che non si tratta di assimilare, imitare o interpolare una voce per arrivare dove ti serve, ma di imparare a trovare la tua. Segue una ragazza di nome Starr, che guarda la sua amica essere brutalmente assassinata dalla polizia. È interpretata da Amandla Stenberg, che fa un ottimo lavoro nel comunicare la tensione tra le sue due esistenze disparate mentre cerca di rendersi appetibile sia alla sua scuola molto bianca che al suo quartiere a maggioranza nero. THUG scompatta la giustizia razziale sullo sfondo della difficile scelta di un adolescente: cercare di adattarsi o sollevarsi. In un momento in cui gli spettatori hanno bisogno di imparare come affrontare la vera minaccia della supremazia bianca, vedere questo tipo di narrativa sul grande schermo è vitale. (Kemi Alemoru)

Quattro. ISOLA DEI CANI (WES ANDERSON)

Se hai mai posseduto un animale domestico infestato dalle pulci, un DVD Blu-Ray di Rushmore , o il desiderio di vedere Jeff Goldblum dare la voce a un roco pettegolo, allora Isola dei cani sarebbe sempre stato per te. Ma l'avventura animata ambientata in Giappone è particolarmente complessa ed esoterica, anche per gli standard elevati di Wes Anderson. Un piacere (da cagnolino) per gli occhi e le orecchie, la commedia impassibile di Anderson è, semmai, travolgente: ogni elegante cornice è disseminata di battute, i pupazzi pelosi sono costruiti con cura e le immagini in stop-motion sono perfettamente integrate con la mano. illustrazioni disegnate. Fantastico Mr Fox sembra pigro in confronto.

Inoltre, il film vanta uno dei cast più eclettici e stellati della memoria recente. Insieme a Goldblum, ci sono Bill Murray, Greta Gerwig, ScarJo, Yoko Ono e Tilda Swinton. (E Anjelica Huston nei panni di un barboncino muto, non che abbaia molto.) Tutto sommato, potresti scrivere un saggio su qualsiasi momento di questo film scelto a caso. Ma evidenziamo la scena gastronomica dell'anno: uno chef che prepara sushi con wasabi velenoso per assassinare un professore. La sequenza è sbalorditiva, ipnotica e ti lascia disposto a morire per un piatto di pesce immaginario che è probabilmente fatto di plastica. (Nick Chen)

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3. CONTEA DI HALE QUESTA MATTINA, QUESTA SERA (RAMELL ROSS)

Qual è l'orbita del nostro sogno? Questa è una domanda che fluttua sullo schermo durante i primi minuti di Contea di Hale questa mattina, questa sera , direttore RaMell Ross Il tenero ritratto di una contea dell'Alabama. È una domanda che continua a risuonare nella tua mente mentre le scene si svolgono: vignette lunghe e delicate che descrivono il potenziale che può essere trovato entro i limiti. Un bambino corre avanti e indietro nel suo soggiorno con la concentrazione e la determinazione di qualcuno che corre in una maratona. Un giocatore di pallacanestro tira senza sosta da solo. Un uomo brucia pneumatici nel bosco e Ross punta la sua macchina fotografica verso il fumo fluttuante, che è tagliato da fette di sole.

Ross si è trasferito nella contea di Hale nel 2009 per insegnare basket e fotografia, e poco dopo ha iniziato a filmare la comunità nera, in particolare due giovani di nome Daniel e Quincy. Il suo modo di trattare tutti nel film è naturale e caloroso, i suoi primi piani attirano gli occhi dello spettatore su dettagli magnetici (un gocciolio di saliva rotola lungo la pancia di un bambino; ​​una madre acconcia i capelli di sua figlia lentamente e con cura). Siamo condizionati dall'esistenza istintuale, Ross ha detto in una recente intervista . C'è molta mancanza di bellezza che guarda dentro nella cultura nera o nel cinema nero perché la maggior parte delle persone ha guardato dall'esterno. La gente mi dice: 'Oh, il film è così bello! Potresti darmi consigli su, tipo, come faccio a parlare con le persone per scattare con questo occhio? 'E ad essere onesto con te, è proprio così che vedo la contea di Hale e i miei amici. Se avessi un consiglio per te, sarebbe solo quello di dare alle persone in quelle comunità delle telecamere, e poi raccontare loro le trappole dei modi tradizionali di guardare, e loro farebbero la stessa cosa. Non è affatto scienza missilistica.

In un'epoca di racconti clickbait riduttivi e urgenti, parliamo molto del rapporto della nostra cultura con le sfumature. Come raccontare storie in un modo che mostri e valorizzi realmente la pienezza di una persona? Contea di Hale è una risposta e un antidoto; nel suo movimento lento e delicato, nel suo modo naturale di vedere e nel modo in cui colora i suoi soggetti fuori dalle righe, è il film più umano del 2018. (Aimee Cliff)

Due. MI DISPIACE DISTURBARLA (STIVALI RILEY)

Nel 2012, i The Coup hanno pubblicato il loro quinto album, Mi dispiace disturbarla . Il frontman del gruppo hip-hop, Stivali Riley , destinato al disco per suscitare interesse per la sua sceneggiatura allora non prodotta. Quindi non importa il rilascio ritardato nel Regno Unito: ecco un film con cui Riley sta armeggiando da un po 'di tempo. Riflettendoci, è tempo ben speso. Riley non solo approfondisce temi pesanti come il cambio di codice, la responsabilità degli artisti e il insidie ​​del capitalismo , ma confeziona questi spunti di conversazione in un film di popcorn selvaggiamente fantasioso. Le immagini giocose rievocano Michel Gondry, l'universo è sufficientemente realizzato da includere i suoi canali televisivi fittizi, ed è tutto sorprendentemente informativo sui dettagli della sindacalizzazione.

Inoltre, Mi dispiace disturbarla evita una facile categorizzazione. Il gancio pubblicizzato - Lakeith Stanfield implementa una voce bianca per far avanzare la sua carriera - graffia a malapena la superficie. Dal punto di vista del genere, è un amalgama sovversivo di commedia fantascientifica, politica sul posto di lavoro, orrore corporeo e satira sociale. Soprattutto, però, è semplicemente divertente, e posso vedermi a rivederlo per gli anni a venire. Inoltre, Armie Hammer, in qualità di malvagio CEO di Worry Free, merita un Oscar per il suo sbuffo di cocaina da solo. (Nick Chen)

1. EREDITARIO (ARI ASTER)

(Ari Aster) una volta mi ha detto: 'Ho tutta questa malattia dentro di me, e voglio metterla in tutti gli altri', dice Ereditario star Alex Wolff in una clip di YouTube , indicando il suo stomaco. Nonostante ciò, il debutto alla regia di Aster non è mai stato inteso come un horror, almeno in senso classico. È cresciuto con film come quello di Ang Lee La tempesta di ghiaccio e Il cuoco, il ladro, sua moglie e il suo amante , storie di tradimenti familiari e lotte di potere in un uragano di traumi.

Il malessere alla bocca dello stomaco del regista stava peggiorando da un po '. Il cortometraggio 2011 dell'autore di New York La strana cosa dei Johnsons segue una relazione incestuosa tra padre e figlio in un omicidio. Nel Munchausen , due anni dopo, Aster ha ingrandito l'omonimo disturbo, in cui i genitori falsificano le malattie nei loro figli per attirare l'attenzione.

Realismo magico per la generazione di Lars von Trier, Ereditario è un cavernoso racconto anti-fiaba su una famiglia americana che fu condannata secoli prima di nascere. Trasforma un gioco domestico in una meditazione su causa ed effetto; una meditazione su causa ed effetto in un dramma sul dolore; e un dramma sul dolore in un bagno di sangue orchestrato dal diavolo.

Il suo asse del male è Wolff, un adolescente stregato che innesca erroneamente un crescendo di orrori creativi di cui Hieronymus Bosch sarebbe orgoglioso. Con la colonna sonora purgatoriale di Colin Stetson, il tour-de-gore di Toni Collette nei panni di sua madre disancorata e il montaggio affilatissimo, Ereditario è male fino alle ossa. È quel raro capolavoro di un film dell'orrore che ti lascia molto più terrorizzato dai tuoi demoni di quelli che puoi immaginare. (Jack Mills)